Laura Azcurra | Portfolio Categories Teatro
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HELLO DOLLY

Sinopsis
Ambientada en Nueva York a finales del siglo XIX. Una casamentera, Dolly Levi, hace un viaje a Yonkers para ver al rico comerciante Horacio Vandergelder, que solicita sus servicios: considera que en su casa falta un «toque femenino». Mientras está con él, Dolly lo convence a él, a sus dos empleados, a la sobrina de Horace y a su pretendiente para ir a Nueva York. Allí la celestina emparejará a los empleados de Vandergelder, al mismo tiempo que no se detendrá hasta asegurar su propio futuro junto con Horacio.
LIBRO DE MICHAEL STEWART
MÚSICA Y LETRA DE JERRY HERMAN
ADAPTACIÓN DE CANCIONES: MARCELO KOTLIAR
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: HERNÁN KUTTEL
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: FEDERICO BRUNETTI
PRENSA: WE PRENSA
COREOGRAFIA: ELIZABETH DE CHAPEUROUGE
DIRECCIÓN MUSICAL: ÁNGEL MAHLER
DIRECCIÓN: ARTURO PUIG

Tita & Rodhesia

Dos actrices improvisadoras con músicx en escena, construyen historias junto al público que ayudará con la consigna, proponiendo ideas y títulos, para que las intérpretes puedan componer sus personajes e historias en el momento, corroborando así, que lo que sucede es una creación en tiempo presente. 

Tita y Rodhesia, son dos mujeres unidas por el debate de las formas hegemónicas del pasado con la nueva visión abarcativa y diversa de los nuevos tiempos.

Próximas funciones – 
Sábados 10 y 17 de septiembre – 21 hs – La Paz Arriba
Lunes, 10 de octubre – feriado – 20 hs – Libario Multiespacio

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Salir del ruedo

Dos mujeres solas en escena construyen un lugar propio para pensar y sentir el flamenco andaluz, priorizando el vínculo con la raíz porteña. Se cruzan, se miden, buscando alcanzar el máximo de la propia potencia. ¿Cómo ganarse a sí mismas?. Dialogan, pero solo a través de su música singular, haciendo sonar el propio ritmo. Transitan diversos estados emocionales, intentando fusionar el soniquete de sus cuerpos con un nuevo lenguaje, junto a la danza contemporánea y el género teatral grotesco local. Un convenio de fuerzas que se oponen y se unen para manifestar su profunda identidad.

Funciones itinerantes 

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TOC-TOC

La comedia más obsesiva y divertida de todas, del autor francés Laurent Baffie. Un espectáculo delirante que conmovió a los espectadores, ovacionando de pie cada una de sus funciones. Seis personajes que padecen trastornos obsesivo-compulsivos (TOC) se encontrarán en la sala de espera de un psiquiatra con el fin de solucionar sus problemas. El psiquiatra nunca acudirá a la sesión y serán ellos los que tengan que arribar a sus propias conclusiones. Durante 6 temporadas ( de 2014 a 2019 inclusive) Laura fue parte del suceso teatral de la calle Corrientes coronando esta pieza como la comedia de teatro más vista en la Argentina.

Noche de reyes

SHAKESPEARE EN TECHNICOLOR MUSICAL

La versión toma como punto de partida la obra de Shakespeare para generar un intertexto con los legendarios films musicales de la Metro de los años 50, tomando como referencia primera el inspirador film «Cantando bajo la lluvia». Circula a lo largo de la puesta en escena la cita cinéfila y la intención de desocultar los mecanismos de producción que provocan la «ilusión de realidad». La dialéctica entre cuadro y fuera de cuadro; escena y detrás de escena; actor y personaje; artificio e «ilusión de realidad» tiene lugar en un dialogo escénico en technicolor en el que se hibridan el texto clásico y el género musical así como las diferentes épocas que los atraviesan.

Con un trío de jazz en vivo, dirigidos al piano por el maestro Santiago Otero Ramos, la música y la dramaturgia de esta comedia de confusiones logra una versión original y dinámica entre la interpretación y la belleza de clásicos de la música de los años 50.

Autoría: William Shakespeare
Versión: Jorge Azurmendi
Actúan: Rafael Aieta, Santiago Almaráz, Laura Azcurra, Leandro Bassano, Felipe Colombo, Andrés Espinel, Divina Gloria, Luz Kerz, Nicolás Larrain, Melania Lenoir, Gustavo Pardi, Belén Pasqualini, Nahuel Smith, Rita Terranova, Germán Tripel, Mike Zubi
Músicos: Martín Lozano, Alberto Mazza y Santiago Otero Ramos

Peinados: Ricardo Fasan

Maquillaje: Juan Gasparino
Diseño de vestuario y escenografía: Alejandro Guiggi

Diseño de luces: Claudio Del Bianco, Manuel Garrido
Diseño sonoro: Gabriel Giangrante
Realización escenográfica: Julio Becerra Maidana, Juan de Uranga, Alejandro Guiggi
Realización de vestuario: Carolina Carrizo, Alejandro Guiggi
Diseño gráfico: Martín Bayne
Asistencia coreográfica: Juan Gentile
Asistencia de vestuario: Macarena Rodriguez, Carla Romano
Asistencia general: Maxi Ruso
Asistencia de dirección: Marina Andrada
Prensa: Ayni Comunicación
Arreglos musicales:Santiago Otero Ramos
Producción ejecutiva: Maxi Bartfeld
Coreografía: Diego Bros, Gustavo Carrizo, Seku Faillace, Mecha Fernández, Gustavo Wons
Dirección musical: Santiago Otero Ramos
Dirección: Jorge Azurmendi

Señorita Julia

«Sí, fui la puta de muchos, pero eran todos de mi nivel. Ahora soy la puta de mi sirviente».

La Señorita Julia, de August Strindberg, plantea como temas esenciales, tal cual lo establece el autor en su prólogo, el antifeminismo y los conflictos entre clases sociales.

Esta versión libre, que traslada la acción a Buenos Aires en 1957, año en que la Revolución Libertadora ya intuye su imposibilidad de seguir gobernando y se prepara para llamar a elecciones en las que el peronismo será proscrito, deja de lado estas variantes temáticas, y plantea su accionar dramático en la relación triangular entre Julia, Juan y Cristina, tomando como eje central las pasiones humanas.

La acción planteada hace eje en Cristina, a quien Strindberg no otorga personalidad definida, y que en esta versión cobra especial relevancia como motor impulsor de los acontecimientos desde su lugar de aparente espectadora.

Cristina, la gran titiritera de la obra, manipula al extremo la trama hacia la tragedia.

Ni Julia ni Juan son personajes de pueblo: una, de la burguesía nacional, y el otro, desde la pretensión aristocratizante, dos modelos de país que no han sabido integrarse. Cristina, que representa un sector del pueblo tan oprimido como víctima de resentimiento, lleva los sucesos hacia el extremo de donde los acontecimientos quieren ir.

La acción transcurre en una noche de carnaval porteño.

Maduritud

Este unipersonal fue un desafío para 4 únicas funciones.

Kimberly Clark me convocó para escribir a cerca de la menopausia femenina. Qué podía saber yo de eso con 32 años recién cumplidos? Así fue que tome el desafió de investigar, leer, y escuchar a mujeres de 40, 50 y 60 años. Para conocer esta etapa femenina, profunda, a veces triste y liberadora en su mayoría.

Maduritud es una obra que juega con la hipótesis de cómo seré yo dentro de 20 o 30 años. Para ello, una catarata de distintas mujeres (12 personajes) que van apareciendo en el relato (la viuda, la amante, la divorciada, la separada, la que descubre en el fb a su novio de la infancia, entre otras).

Marcadas por el amor, la profesión, los hijos y la amistad, Maduritud es una revisión a las distintas etapas femeninas hasta llegar a una frondosa tercera edad donde la autenticidad y la experiencia son los valores más preciados.

Con la guía precisa de Gustavo Averbuj, y la dirección de la inmensa Corina Fiorillo llevamos adelante esta pieza para estrenar en el teatro El Picadero.

Es mi primera obra escrita y con el plus de estrenarla en el mismo teatro donde mis padres formaban parte del movimiento teatral Teatro Abierto en la década del ´80.

Danza de verano

La obra presentada en el Multiteatro, es la versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino de la obra «Dancing at Lughnasa» del irlandés Brian Friel, dirigida por Jorge Azurmendi y producida por Javier Faroni.

El verano de 1936 encuentra a Europa convulsionada por el estallido de la Guerra Civil Española y el fuerte posicionamiento de los regímenes totalitarios: el fascismo en Italia y el nazismo en Aleman ia. Se crean las Brigadas Internacionales, compuestas por voluntarios de varios países que van a luchar a la Guerra Civil Española, mostrando una gran capacidad de unión y combate de los militantes antifascistas de todo el mundo. En Irlanda el Presidente De Valera alienta el reclutamiento de los jóvenes irlandeses para ayudar a los republicanos a mantenerse en el poder y evitar así el avance del régimen franquista. Esta es la turbulenta atmósfera social en la que transcurre «Danza de Verano».

Michel Evans (un personaje que tiene una fuerte filiación con el Tom de Williams) evoca un verano de 1936 cuando era un chico de 7 años y vivía con su madre soltera y sus tías en las afuera de County Donegal, Irlanda.

Encerradas en sus rutinas cotidianas y oprimidas por las rígidas costumbres de su conservadora comunidad católica, la tranquilidad de estas cinco mujeres es interrumpida por algunos hechos excepcionales: La llegada inesperada de su hermano mayor, un sacerdote misionero que, después de pasar 25 años de servicio en África, regresa a su pueblo natal para contagiarlo de sus creencias paganas; las visitas infrecuentes de Gerry Evans, un aventurero irresponsable y soñador cuya mayor aspiración es bailar como Fred Astaire; y la adquisición de un nuevo aparato de radio (Marconi) con un funcionamiento errático que trae la magia de la música y todo un mundo de compensaciones a estas vidas abatidas por la desesperanza: Desde las danzas irlandesas que llegan desde Dublín hasta las maravillosas melodías de Cole Porter y toda la nostalgia del imaginario hollywoodense de los años 30.

 

Contracciones

«Estrecho tu mano por cien veces cinco en la mía, te beso entera, te abarco con mi alma. Y mágicamente descubro mi lunar en tu pecho y sé que dejo mi firma para siempre».
En Contracciones los monólogos de dos madres, desarrollados en dos tiempos diferentes y unidas por la misma circunstancia de gestar, tejen de a poco la historia de una madre y su hija nacida en cautiverio. La simetría y los nudos entre ambos diálogos descubren la verdadera identidad de Laura. El vínculo maternal, lo instintivo, la herencia, la memoria sensorial son los elementos de coincidencia que actúan en el drama como detonador de una verdad oculta durante 28 años . El lenguaje poético de la obra le otorga el tono sensible que por lírico no resulta menos contundente que el tema que la atraviesa.
Contracciones fue escrita para el primer año del ciclo ¨teatroxlaidentidad¨ en abril del 2001. Se presentó en el teatro Del Nudo en Buenos Aires y fue parte de la carpa cultura itinerante que propuso obras con esta temática en diferentes barrios porteños.
En el año 2004, la obra fue invitada a participar en el Festival de teatro de Cádiz, España,  para luego lograr una gira por Andalucía y desembarcar en Madrid por cuatro semanas en el Centro Cultural de la Villa.
Contracciones, fue traducida al francés y presentada como semimontado en abril del año 2002 en el Congreso de la Mujer realizado en París y estrenada en noviembre del 2003 por la Compañía francesa dirigida por Muriel Hunet en Lille, Francia.
Fue traducida y publicada en Londres en enero del 2003 y representada en septiembre del mismo año en el Teatro Arcola perteneciente al Royal Theatre de Londres por la compañía inglesa dirigida por Tiffany Watt-Smith.
Ficha técnico artística
Autoría: Marta Betoldi
Actúan: Laura Azcurra, Marta Betoldi
Vestuario: María Claudia Curetti, Verónica Diaz Benavente
Escenografía: Leonor Manso
Diseño de luces: Héctor Calmet
Asistencia de dirección: Verónica Gambini
Dirección: Leonor Manso

PostParto

Nadie te dijo que tener un hijo iba a ser así.

Las tres historias-eje se cuentan en escenas y monólogos para tres actrices. Tres historias de mujeres que devienen madres y, partir de la presencia del bebé, y sin haberlo imaginado, sus vidas cambian radicalmente.

¿Cómo enfrenta una arquitecta exitosa la crianza de su hijo sola? ¿Qué sucede con su trabajo, con su vida, con sus valores, con sus seguridades? La omnipotencia, la debilidad, y la confrontación con una verdad interior se pondrán en juego en la historia de Sabrina.

Carol es una «Barbie» hermosa que proviene de una historia de abusos en la infancia.
Se encuentra con enormes dificultades para relacionarse con su bebé y se desploman sus acuerdos de pareja.

Soledad, que ya tiene una hija de 5 años, tiene tendencia a las depresiones. Con su nuevo bebé decide por primera vez tomar riendas en las decisiones de su vida y, haciéndole caso a su dormido instinto, sorpresivamente crece espiritualmente.

Todas las historias de ilusión y búsqueda de la maternidad terminan en el parto, jamás en los primeros meses de crianza. Lo posterior a la dramática consumación no le interesa al discurso tradicional: la madre pariendo, el bebé dando su primer grito, el papá alzando torpe y emocionado al primogénito son la escena luminosa lo que sigue es silencio.

Postparto es una obra sobre ese silencio. Es una luz sobre esa oscuridad. Es una puesta amorosa, artística y política, del cuerpo en escena para mostrar esos cuerpos, esas experiencias cruciales para toda, TODA la humanidad: la madre y su bebé, el bebé y sus adultos.

Ficha técnico artística

Autoría: Ignacio Apolo, Laura Gutman, Florencia La Rosa

Actúan: Laura Azcurra, Celeste García Satur, Victoria Onetto

Diseño de vestuario: Claudia Tomsig

Diseño de escenografía y luces: Magali Acha

Diseño sonoro: Federico Marrale

Realización de muñecos: Jorge Crowe

Música original: Federico Marrale

Fotografía: Camila Miyazono

Asesoramiento: Ana Alvarado, Caro Ruy

Asistente de producción: Sabrina Gilardenghi

Asistencia de dirección: Marisa Sosa

Prensa: Verónica Gandur

Coordinación de producción: Andrea Hanna

Coreografía: Cecilia Elías

Dirección: Ignacio Apolo